SUPREMATISMO

Entendemos como arte al conjunto de manifestaciones humanas capaces de generar emociones o ideas en el individuo perceptor.Al mismo tiempo el vehículo artístico sirve a su creador para expresar y encauzar emociones, sentimientos o ideas que quedan reflejadas en sus obras.Con una definición tan generalista, tan amplia no es extraño que sea considerado como creación artística un dilatado abanico de manifestaciones humanas que van desde las bellas artes, pintura, escultura, arquitectura, hasta artesanía o diseño de moda.En la medida en que cualquier objeto sea potencialmente capaz de fomentar la aparición de corrientes emocionales en el córtex cerebral, así será su calidad artística.Aquí queda la definición estrictamente conceptual.

Desde el subjetivismo, está claro que cada uno mantiene una concepción propia respecto a aquello que considera como arte y lo que no reune características para ser designado como tal.Muchos disentirán respecto a la consideración artística que puede extraerse de ciertas obras literarias de ciertos autores, así como a la dudosa clasificación de numerosas obras pictóricas adscritas a modernos estilos pictóricos como el cubismo, el surrealismo, el puntillismo o el suprematismo, por citar algunas corrientes contemporáneas.

Kasimir Malevich (1878-1935) fue un pintor ruso acuñador del término suprematismo y su máximo y principal valedor.Proponía el eslavo una esquematización sumaria de la representación pictórica, plasmable mediante una reducción de elementos formales a figuras simples como triángulos, cuadrados, cruces y círculos, a la vez que la paleta cromática quedaba limitada a colores como blanco, negro, azul, verde y rojo.A través de esa esquematización, liberado el espectador de los estranguladores corsés que imprimen lineas, formas y volúmenes complejos, se estimula la abstracción pura, la imaginación proscrita por la excesiva contextualización.El summum del suprematismo lo alcanza el propio Malevich en una composición titulada Blanco sobre Blanco de 1918 en la que se prescinde completamente del color.

¿Qué se puede pensar acerca de Blanco sobre Blanco?.¿Llevamos todos un artista dentro de nosotros mismos?.Lo más socorrido que se me ocurre ahora es que yo también sería capaz de pintar ese cuadro.¿Y tú?.En todo caso, nunca será un Malevich.

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CARPANTA

Para muchos niños del tardofranquismo la llegada del domingo, día de fiesta por antonomasia, suponía un aliciente añadido por cuanto era el día en que se recibía la asignación semanal, aquel que pudiera gozarla, una eximia cantidad que normalmente se destinaba a chucherías, futbolines u otros divertimentos de la época.Si se deseaba el último ejemplar del TBO o El Cachorro era obligado acumular esos diminutos óbolos a lo largo de incontables y desesperantes semanas, con la incertidumbre de pensar que cuando el dinero estuviera reunido todavía le quedara algún ejemplar residual al inefable kiosquero.

En aquellos tebeos de la transición abundaban todo tipo de historietas cortas ambientadas por personajes de todo tipo y condición, desde los traviesos Zipi y Zape hasta Mortadelo y Filemón, pasando por toda una troupe de Doña Urraca, La Familia Trapisonda, El Botones Sacarino, Pepe Gotera y Otilio y tantos otros que han llenado miles de páginas de nuestra adolescencia.Cuantos ratos ensimismado en devorar literalmente cuanto tebeo caía en las manos.

Había un personaje, indudablemente entroncado con la miseria de posguerra, cuya máxima y única pretensión en cada tira cómica se fundaba en llenar la barriga.De voraz apetito, siempre dispuesto a conseguir alimento fuere como fuere, aunque con nobleza y sanas intenciones, Carpanta casi nunca terminaba la historieta con la tripa llena.Expresiones tan chuscas como aquello de mover el bigote o una empleada reiteradamente por su amigo Protasio acerca de que donde come uno, comen dos, lo cual puede no significar ni a la vez ni lo mismo, han quedado grabadas en mi memoria.Aunque no llegué a conocer nunca a ningún Carpanta, haberlos, parece que los hubo y muchos.Y apostaría a que muchos tampoco se acostaban a diario saciado su hambre.Pero que malo es el hambre.

Saludos.

TRAMPANTOJO

Galicismo por importación, trompe l'oeil al otro lado de los Pirineos, trampantojo forma parte de ese nutrido elenco de voces importadas de otras lenguas que nuestra lengua vernácula ha ido acumulando desde sus esbozadas glosas medievales.Literalmente se traduce por equivocar al ojo y sirve para designar una técnica pictórica cuyo propósito estriba precisamente en tratar de crear una escena tan mimetizada con su entorno que sea capaz de generar una ilusión de realidad en la retina humana.

El arte del trampantojo abarca un amplio muestrario de disciplinas.Desde la pintura clásica sobre tabla hasta el fresco o mural, pasando por el diseño textil más vanguardista y sin olvidar las enormes posibilidades que ofrece al cinematógrafo a través de la recreación hiperrealista de todo tipo de escenarios sin necesidad de recurrir a localizaciones exteriores, tan inviables en ocasiones, sobre todo cuando se trata de representar ambientes del pasado.Quizás sea dentro de la industria cinématográfica donde más se pueda estar familiarizado con el trampantojo.

El mundo de la pasarela tampoco es ajeno al impulso que se deriva de una técnica que puede ofrecer un universo de posibilidades.De vez en cuando, algún diseñador de campanillas se descuelga con atrevidos guiños al trampantojo, desafiando los estrechos corsés dentro de los cuales se mueve la moda actual.Parece que en Japón existe auténtico furor por algunas versiones de prendas de uso habitual que causan sensación allá por donde son exhibidas.Claro que, siendo justos, no son los hijos del sol naciente de los más timoratos e inhibidos a la hora de vestirse y calzarse.¿Engañan al ojo o simplemente lo cansan?.Quiero un trampantojo.

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MURANO

¿Quién no ha soñado alguna vez con esa ciudad de evocadoras imágenes y un halo de romanticismo que la envuelve que es Venecia?.Subir a una góndola para recorrer los sinuosos canales que se entrelazan, pasear por la plaza de San Marcos, admirar con recogimiento y pleitesía los soberbios mosaicos de la basílica homónima, deambular entre sus numerosos puentes.De todo ello obtendrá el viajero gozosas sensaciones, un tanto adulteradas por otra de las ingentes consecuencias de la globalización, la masificación.

Venecia se halla enclavada sobre una laguna de aguas salobres, sus calles y edificios se elevan sobre un inestable fondo de légamo y desde su fundación ha tenido que convivir con los habituales problemas que acarrea su frágil situación como son la subida del nivel de las aguas o la escasa renovación del agua que circula por sus canales.Se estima que si la temperatura media sobre la superficie del planeta sigue creciendo al ritmo de las últimas décadas, Venecia difícilmente podrá salvarse de una hipotética y catastrófica elevación del nivel del mar como consecuencia del deshielo progresivo de los casquetes polares.

Similar suerte podrían correr las islas que bordean la antigua república.Aunque fueron los romanos los que establecieron un primer asentamiento sobre la isla de Murano y que sus habitantes se dedicaron con una cierta prosperidad a la pesca y al comercio, no sería hasta la llegada de todo el gremio de cristaleros de Venecia en 1291, motivada por un riesgo latente de incendios, cuando la isla floreció merced a la distribución comercial de sus afamados productos.A pesar de los vaivenes históricos, todavía es la industria cristalera la más importante de la isla.

Durante siglos los esforzados artesanos del vidrio fueron puliendo, perfeccionando, innovando las técnicas de soplado hasta alcanzar un virtuosismo tal que tenían terminantemente prohibido abandonar Venecia para no divulgar los arcanos secretos atesorados por su gremio.Entre sus depuradas técnicas se cuenta una consistente en insertar hebras de vidrio blanco opaco dentro de un cristal transparente para conseguir delicadas filigranas, encajes y complejas figuras que causan admiración general.Una genuina pieza de cristal de Murano aporta un toque de elegancia a cualquier estancia.Nunca de un soplido se moldeó algo tan bello.

Saludos.

CHITRASUTRA

Durante el Renacimiento europeo se asistió a una revitalización del arte que se propuso retornar a los cánones estéticos de la antigua Grecia clásica.En aras a una racionalización creativa, surgieron los primeros tratados acerca de técnicas y materiales empleados en la creación artística.Excelsos artistas como el polifacético y multidisciplinar Leonardo Da Vinci esbozaron y plasmaron sobre papel sus sesudas investigaciones que sentaron las bases sobre las que numerosos escultores, pintores, arquitectos contemporáneos compusieron sus obras de arte.

Aunque podamos pensar que quizás fuese ésta la primera tentativa en este sentido, lo cierto es que no es así.Se cree que es el Chitrasutra, un compendio de reglas, consejos y recomendaciones tradicionales para la creación pictórica transmitido oralmente en la India desde tiempos remotos, uno de los más antiguos tratados de pintura.Tan minuciosa es que ofrece consejos tan rebuscados como delinear una flor de loto de 52 pétalos.

Cuando la vieja Europa se disponía a enfrentar los duros tiempos posteriores a la caída del Imperio Romano y el advenimiento del feudalismo, finales del siglo V, hubo un rey llamado Harishena que dominaba una buena parte de la India Central.Bajo su patrocinio floreció el budismo en Indostán.Aprovechando la buena disposición del monarca hacia la doctrina de Buda, un nutrido ejército de monjes se encargó de horadar los acantilados de un barranco, Ajanta, a 400 km al nordeste de Mumbai, para construir cerca de 30 templos rupestres que hoy podemos admirar y contemplar.En algunas de las cuevas todavía se conservan fragmentos de murales pintados que representan de manera variopinta toda la simbología budista.Es tal el grado de perfección que alcanzan algunas figuras representadas que parece obra de magia.Y en aquellos tiempos de eclosión y devoción budista se estima que cuadrillas de pintores recorrían la geografía del subcontinente ofreciendo sus valiosos servicios a la hora de decorar templos.Aquí es donde el Chitrasutra entra en juego, marcando las pautas y dictando las normas que aquellos pintores trashumantes debieron ejecutar con disciplina y fidelidad.Coetáneamente, apenas se vislumbraba el hieratismo y la inexpresividad que llegaría siglos más tarde a la pintura románica europea.En éste como en muchos otros factores, Europa fue a la zaga.

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TOKAPU

Cuando un puñado de soldados españoles comandados por Francisco Pizarro, procedentes de Panamá, establecieron contacto con indígenas nativos del altiplano peruano, súbditos del poderoso Inca, tanto unos como otros se apercibieron de que existía una distancia insalvable entre ambas civilizaciones a todos los niveles.Para los buscavidas de este lado del charco, aquellos diminutos hombrecillos de tez arrugada y tostada por el extremado clima andino representaban un estado de desarrollo humano que sus antepasados europeos hacía ya tiempo que habían superado.

La astucia del perspicaz Pizarro le sirvió para, soslayando un peligro tangible de ser reducido por un pueblo que superaba sus efectivos en una proporción desorbitada, derribar un sistema imperial en aparente armonía y prosperidad y sembrar la cizañosa semilla de la occidentalización y por ende, la cristianización.A pesar de que los incas desconocían el hierro y como tal no disponían de armamento oponible al equipo de combate español, no era tarea fácil someter a varios millones de ciudadanos del imperio inca con poco más de 180 hombres y 38 caballos.La tremenda sorpresa de ver por vez primera hombres blancos dotados de pobladas barbas y montados en enormes animales nunca vistos, junto con sus atronadores cañones y arcabuces debió jugar un papel fundamental a la hora de rendirse al desconocido invasor.Colisiones culturales como la que nos ocupa las ha habido a manos llenas y como en casi todas, siempre una debe declinar bajo la imposición de la más fuerte, que no la mejor ni tan siquiera la más desarrollada.

Es ampliamente conocida la fabulosa tradición textil del pueblo inca que usaba como materia prima principalmente la lana procedente de llamas, alpacas y vicuñas, esos camélidos americanos tan ligados al relieve andino, para elaborar sus prendas cotidianas.Uno de los motivos recurrentes que abunda en la iconografía textil incaica se conoce como tokapu.Viene a ser un estilo decorativo textil a base de cuadrados con dibujos geométricos o simbólicos que solía emplearse para las más elegantes prendas de las élites que detentaban el poder en la sociedad inca.

Sabemos que los incas no poseían un sistema de escritura y, al hilo de los tokapus, algunos estudiosos de la cultura inca precolombina han llegado a preconizar la existencia de un tipo de criptografía o escritura ideográfica cuya clave reside precisamente en esos misteriosos y coloridos cuadrados de tela.Hablando en puridad, cabe atribuir el origen del tokapu a una civilización anterior a la incaica, habitante del entorno del lago Titicaca, de la que descienden los actuales aymaras de la región.Casualmente, los mismos que elevaron las colosales moles pétreas de Tiwanaku y su enigmática Puerta del Sol.Misterios vendo y para mí, no quiero.

Saludos.

LEMPICKA

La secular opresión a la que ha sido sometida la mujer, al menos dentro de nuestro marco histórico occidental, es una causa directa en la más absoluta ausencia de artistas de renombre de sexo femenino hasta hace unas pocas décadas, momento en el que las sociedades modernas han comenzado a brindar a la mujer su justo papel dentro del ordenamiento social.Y reto a cualquiera a que nombre alguna famosa arquitecta, escultora, pintora de otra época, si es que la conoce.

El nombre de Tamara de Lempicka, nacida en Varsovia como María Gorska, representa un caso atípico dentro de un panorama pictórico eminentemente masculino.Contemporáneamente a los Miró, Picasso, Chagall, Mondrian, Kandinksy, Dalí o Klimt, Lempicka desarrolló una obra imbuida profundamente por la corriente art decó, una visión desenfadada, tildada como burguesa, del mundo como escenario susceptible de ser decorado.

Fue en el retrato del ser femenino donde Lempicka se demostró una maestra consumada, sabiendo extraer una fuerte y envolvente sensualidad de sus modelos a través de trazos precisos que delinean exuberantes formas.Fue una pintora que supo transmitir sabiamente toda la belleza que destila un cuerpo de mujer.Aunque nunca pueda compensar ni resarcir todos los sinsabores acumulados a lo largo de milenios por el sufrido sexo débil, Lempicka es considerada como uno de los referentes universales del art decó.Espero y deseo que cunda el ejemplo.

Saludos.

STUPA

La búsqueda del origen de todas las cosas es una constante en la historia humana, desde que uno de nuestros remotos antepasados empezó a cavilar y a encontrar una explicación para cada uno de los fenómenos que se producían en su entorno.Incipientes mitologías basadas en elementos naturales a los que se confería caracteres trascendentales dieron paso con el transcurso de los evos a las múltiples concepciones teogónicas tanto politeístas como monoteístas con sus complejos y elaborados dogmas y pilares de la fe.

Ya desde los primeros constructores de megalitos, producto de unas primitivas creencias en elementos sobrenaturales de índole estrictamente geofísica, el hombre sintió la necesidad perentoria de mantener un canal de comunicación con los presuntos entes objeto de su adoración.Y desde entonces se han erigido innumerables construcciones para gloria de esos seres deificados y para nuestra ulterior admiración.Santuarios, templos, altares presiden casi todos los cultos que en el mundo son y han sido.

La stupa entra dentro de esta categoría de edificios dedicados a la profesión del culto religioso.Originalmente concebida como un montículo semiesférico de barro o arcilla depositario de reliquias de Buda, actualmente la stupa cumple funciones funerarias y es objeto de veneración por los fieles budistas.Todo el sudeste asiático se halla erizado por stupas que salpican el paisaje urbano de paises como Thailandia, Laos o Myanmar, cuyos perfiles acampanados se pueden divisar por encima de la intrincada maraña que conforma su tejido callejero como guardianes que velan por la salud espiritual de sus habitantes.El chedi Phra Pathom, tal y como se designa en Thailandia, en la urbe de Nakhon Pathom en un ejercicio de suprema esbeltez se encarama hasta una altura de 127 metros.Y en esta faceta nuevamente existe unanimidad a la hora de alcanzar un imposible, la conexión permanente entre cielo y suelo.Nunca alcanzaremos el cielo, del mismo modo que el cielo jamás se derrumbará sobre el suelo.Aunque sea digno de admiración el empeño humano en inmortalizar mediante estas invalorables obras de arte la eterna búsqueda sin respuesta del ser humano.Ponga una stupa en su camino hacia el Altísimo.

Saludos.

UNDER THE PINK

1994 fue el año en el que la cantante, instrumentista y compositora norteamericana Tori Amos lanzó al mercado su tercer album Under the pink.Más de un melómano se arriesgó, a pesar del desconocimiento absoluto de la artista y sus trabajos previos, a adquirir aquel disco compacto cuya carátula manifestaba un inequívoco presentimiento respecto al contenido musical que atesoraba.La posterior audición justificó plenamente la inversión realizada y hoy es el día que considero Under the Pink una de las joyas de mi modesta colección discográfica.

Dotada de una sólida formación musical clásica, virtuosa al piano y loada por una voz melosa, cálida, potente, sensual, Tori Amos reunió 12 maravillosos temas dentro del disco.Bajo esas premisas el sonido adquiere tonos misticistas que remiten a voces tan preciosas como las no menos fenomenales voces de Enya, Loreena McKennit o Sinnead O'Connor.Intensos diálogos pianísticos enlazados por letras de rabiosa actualidad, como Cornflake girl o Pretty good year, y originales experimentos musicales como Icicle proporcionan una agradable sensación de paz interior y armonía.

Han pasado 13 años desde el lanzamiento del album, Tori Amos, la jovencita de aire desvalido de la carátula, sigue manteniendo su juvenil melena pelirroja y sus ojos de un azul insondable dentro de un rostro de facciones rosadas que transmite serenidad y dulzura infinitas.Unas virtudes que rezuman por cada una de las notas de sus canciones y empapan el córtex cerebral de aquel que se deja seducir por su incitante melodía.

Saludos.

ARLEQUÍN

El arlequín ha sido un personaje inspirador de numerosas obras pictóricas de renombrados artistas que aprovecharon las tremendas posibilidades cromáticas de sus variopintos trajes para plasmarlos sobre una impersonal tabla pintora.A lo largo de la segunda mitad del siglo XIX hasta las primeras décadas del siglo XX, la figura del arlequín protagonizó composiciones de toda una legión de pintores desde los impresionistas franceses de la época hasta los postreros esbozos de los inmortales Dalí, Picasso, Gris o Miró.

Picasso desarrolló todo un compendio completo de obras dedicadas a tan singular personaje, reminiscencia decadente de una antigua tradición teatral de corte italianizante que presenta al arlequín como un pícaro bribón ataviado de esperpénticas vestiduras, engatusador de mujerzuelas y ducho en el arte del engaño y la astucia a la hora de procurarse el sustento.En cierto modo, el arlequín es una evolución escénica del omnipresente bufón de corte, un personaje que, no obstante su servil función, llegó a detentar y manejar valiosas informaciones que lo convertían en una polifacética llave.

Ya no se pintan arlequines, del mismo modo que los bufones sólo permanecen en la hagiografía del Medioevo.Aunque, si extrapolamos adecuadamente y ejercitando la abstracción, bien es cierto que ante determinadas actuaciones de nuestros preclaros representantes políticos, no podemos sino evocar aquellos malabarismos, historietas y piruetas que desgranaban para solaz de las abúlicas cortes principescas.En este caso, a la plebe le toca el turno de solazarse y carcajearse con las acostumbradas diatribas, desplantes, cacareos, maledicencias y estrambotes que unos y otros se lanzan indiscriminadamente.Sabio César, Panem et circenses.Y que corra el tinto de verano.

Saludos.

CHEVALLIER

Suena a apellido bastante común más allá de la barrera pirenaica, donde desayunan croissants y presumen de chauvinistas, y si antecedemos un nombre tan francés como Phillippe, a buen seguro que aparece un buen número de individuos que responde a tal combinación nominativa.Al menos uno de ellos destaca como un reconocido actor y humorista dentro del panorama audiovisual galo.Mucho menos conocida es su faceta artística, concretamente su devoción por la técnica fotográfica.

Partiendo del sustrato que brinda la piel humana y jugando con los intensos matices que proporciona un material tan sugerente como es la lycra, esa fibra textil altamente evolucionada desde el nylon, Chevallier juega con colores análogos al de nuestra piel para obtener singulares imágenes repletas de sensualidad y no exentas de un cierto voltaje erótico.Mediante la recurrencia a la obsesionante sensación de sentir una piel sobre otra piel, la una tibia, la otra pasiva, junto con una sabia distribución cromática en torno a tonos dorados donde la textura satinada predomina en la composición, se consiguen espectaculares instantáneas.

Se agradece este tipo de visiones acerca del cuerpo humano, nada canónicas y que aportan un punto de vista diferente y muy original acerca de la eterna dicotomía en la que se halla inmerso el hombre o la mujer de nuestro tiempo, la controversia entre original y sucedáneo, natural y artificial.Seguramente, muchos de nosotros ya no concebimos una existencia sin esos útiles sustitutos que nos ofrecen sensaciones tan reconfortantes.Merci, monsieur Chevallier.

Saludos.

TERRAZAS

A pesar de la convulsa primavera de la que estamos gozando, acostumbrados como estamos a pasar de los rigores invernales a las calorías veraniegas sin solución de continuidad, lo cierto es que uno ya se puede, cuando la intermitente lluvia remite un tanto, solazar en una de las abundantes terrazas emplazadas por los establecimientos hosteleros, al amor de su consumición.Cuando aprieta la canícula, muchos se atrincheran en sus domicilios armados con su aire acondicionado, a la espera del crepúsculo, cuando remite el bochorno, para llenar terrazas con la esperanza de disfrutar de una evanescente brisa y una agradable velada vespertina.

Pero como no sólo de terrazas veraniegas vive el hombre, existe otra acepción menos lúdica, aunque tan reconfortante o más que lo pueda ser una cañita con la fresca, sobre todo a la vista.Como todos sabemos, o nos enseñaron tiempo ha, el arroz constituye la base de la alimentación en multitud de pueblos, una materia prima que para su cultivo precisa de ingentes cantidades de agua dulce, una circunstancia que condiciona su apogeo en latitudes tropicales como América y Asia.En algunos lugares del sudeste asiático, Thailandia, Indonesia, Filipinas, Vietnam, la propia China, por la especial configuración del relieve y la alta densidad demográfica, los agricultores autóctonos han urdido ingeniosas técnicas de irrigación a fin de sacar partido de las empinadas pendientes en las que se hallan sus campos de cultivo.

Mediante el aterrazado de los terrenos se consigue un aprovechamiento máximo de los recursos naturales, tierra y agua.Se nivela el suelo para eliminar la inclinación del perfil montañoso a la vez que las canalizaciones de agua se aprovechan de la ley de la gravedad para irrigar todo el sistema de terrazas.Ante el paisaje que revela un vallejo aterrazado emplazado dentro de un lujuriante y frondoso entorno tropical, contrastando el verde exultante de la vegetación aneja contra el amarillento tono de la gramínea sustento de la población local, uno no puede dejar de maravillarse y sentir un vívido deseo de permanecer por largo tiempo en ese marco geográfico.Supongo que hay un momento para cada terraza.Y las de Ubud, en Bali central, quedan bastante, bastante lejos.Al menos, me queda una fotografía.

Saludos.

CALIGRAFIA

Es un hecho que a medida que las nuevas pautas que marcan el desarrollo de la tecnología de acceso a Internet van encontrando una amplia difusión entre todos los estratos de la pirámide poblacional, la práctica de la escritura tradicional, a base de la herramienta de escritura y el soporte de papel, queda cada vez más restringida a una corta etapa infantil en la que se nos inculca el aprendizaje de la misma.

Hace años, muchos años, dentro del manual de estilo que era de riguroso cumplimiento se consideraba importante la caligrafía, entendida como carga estética derivada del modo de escritura de los diferentes caracteres del alfabeto latino.Y para ejercitar al imberbe desde su ciclo inicial nada más adecuado que los legendarios cuadernos Rubio para adquirir una elegante caligrafía, una cualidad por la que muchos y muchas eran objeto de las más reconocidas admiraciones así como de las más feroces animadversiones.

Es impepinable que si apenas escribimos a la manera tradicional, mucho menos dedicamos a cuidar la caligrafía de lo poco que transcribimos al papel.Y aquellas sanas costumbres epistolares han pasado a la historia.Hoy en día, usamos editores de textos que corrigen automáticamente las faltas de ortografía, manifestamos nuestros pareceres en los infinitos foros, blogs, chats que pueblan la red y mantenemos correspondencia con nuestros más allegados y con los que no lo son mediante esas potentes herramientas como son el email o los SMS.A pesar de los pesares, sigo maravillándome ante una impecable redacción manual, con sus párrafos, sus puntos y apartes, sus gráciles piruetas alfabéticas, incluso aquellos minúsculos globitos con los que muchos de nosotros acostumbrábamos a puntear las íes latinas.Ciertamente, cada vez quedan menos amanuenses fuera de los recintos monásticos.

Saludos.

PAPIRO

Automáticamente, asociamos el antiguo Egipto con esta planta palustre que abunda especialmente en las márgenes y delta del río Nilo, empleada en la fabricación de objetos de cestería aunque sea otra la principal utilidad a la que se ha destinado, desde tiempos inmemoriales, su cosecha.Se tiene constancia documental del uso de la fibra de papiro como soporte de escritura desde una fecha cercana al 3000 a.C., datable en la I dinastía faraónica egipcia.

El proceso de manufacturación de un papiro comienza con la recolección de sus esbeltos y alargados tallos que se cortan verticalmente en cintas, pegadas unas sobre otras para obtener una hoja que, aplastada y secada posteriormente, se convierte en un excelente papel, del griego papiros.Si se engarzan varias hojas así confeccionadas se obtienen papiros de extraordinaria longitud que, para su adecuada manipulación, se enrollan alrededor de un soporte cilíndrico de madera u metal, el rollo.

Una buena parte de los acontecimientos que se sucedieron en la antigüedad, crónica bíblica incluida, han llegado a nuestro conocimiento merced a las excepcionales condiciones de preservación de rollos egipcios, hebreos, fenicios o asirios.Como es lógico, fueron los escribas egipcios los más preciosistas virtuosos en la redacción y decoración de papiros, una delicada obra que hoy podemos admirar en las diversas muestras presentes en multitud de museos y colecciones por todo el orbe.De excepcional calidad cabe calificar al papiro de Ani, la más completa versión del conocido Libro de los Muertos, que se conserva en el British Museum donde, a lo largo de 23,6 metros y 192 capítulos, se desvela un retrato fidedigno de la compleja religiosidad que presidía la vida y la muerte en el país de los faraones.No cabía esperar menos de un pueblo, encabezado por sus dirigentes supremos, profundamente preocupado por la existencia ultraterrena.Pirámides y papiros son símbolos reales de la voluntad faraónica por perpetuar su memoria.

Saludos.

VIDRIERA

En su ansia por convertir el recinto sagrado en una reproducción fidedigna de la gloria celestial, los maestros arquitectos del gótico apostaron por una técnica artística novedosa para conseguir captar la máxima luz posible dentro de catedrales, iglesias, abadías y palacetes.Nace así el arte de la vidriera, composición formada por vidrios pintados de distintos colores y esmaltados unidos por medio de varillas de plomo.

Herederos de una milenaria tradición romana, los artesanos vidrieros trasladaron a los lienzos verticales de las catedrales góticas la plasticidad opaca del mosaico, rompiendo su oscuro velo merced a un milagroso material como el vidrio.Innovadoras técnicas pictóricas y flamantes tintes de nuevo cuño fueron aplicados en las extensas superficies vidriadas ocupadas por las ojivas abiertas en los muros para confeccionar maravillas tales como la Santa Capilla de Paris o las espectaculares vidrieras de las catedrales de Colonia, León o Chartres, sobre la cual existe un acuerdo unánime al designarlas como las más bellas vidrieras existentes.

Hoy podemos disfrutar de la grandiosa sensación experimentada cuando deambulamos por los diferentes recovecos de una catedral gótica,mimetizados entre los ricos destellos de una luz tamizada por el filtro multicolor de los vitrales.Obradores y maestros consiguieron con su atrevida apuesta generar una ineludible sensación de bienestar, de lucidez, de paz interior en todo aquel que se expone a la contemplación de su genial obra.Quién dijo que el misticismo estaba de capa caída.

Saludos.

RAVENA

Cuando se piensa en viajar al país transalpino, referente espacio-temporal de una buena parte de nuestra civilización occidental, son innumerables las atracciones de carácter cultural y artístico que se ofrecen al turista.Ante la magnificencia y el boato que rezuma sólo la mención de ciudades como la eterna Roma, la elegante Florencia, la vanguardista Milán, la romántica Venecia, Nápoles, Siena, Génova, Pisa o Bolonia, queda relegada a un tercer plano toda una pléyade de ciudades no tan afamadas cuyo patrimonio no es en modo alguno desdeñable.

Situada en la costa adriática, al nordeste de la bota itálica, en la provincia de Emilia-Romaña, Rávena forma parte de ese vagón de cola olvidado por los circuitos turísticos pero con un glorioso legado artístico que la ha convertido en Patrimonio de la Humanidad.Entre la amplia nómina de monumentos que componen el erario artístico de Rávena se encuentran los mausoleos de Gala Placidia y Teodorico y las iglesias de San Vital y San Apolinar.

Precisamente son estas dos construcciones eclesiásticas las que gozan de una merecida fama por su excepcional belleza.San Vital se empezó a construir hacia el año 540, bajo dominio ostrogodo, bajo el mecenzgo de un acaudalado potentado local llamado Juliano y se consagró en 547, reconquistada ya por el conde bizantino Belisario.Su originalidad reside en su planta octogonal con un espacio central abovedado delimitado por ocho pilares coronados por arcos de medio punto.Se percibe una indudable influencia oriental en la concepción de la obra, acentuada si cabe en la suntuosa decoración musivaria que recubre el ábside y el presbiterio de la iglesia.Que se empleasen materiales tan nobles como el oro y el nácar en la factura de los mosaicos o que el emperador bizantino Justiniano y su esposa Teodora aparezcan como figuras centrales de los murales teselados no hace sino confirmar la gran importancia que se le concedía a esta iglesia.

San Apolinar in Classe data de la misma época que San Vital, patrocinada por el mismo benefactor y terminada en 549.Construida sobre un planta de tres naves rematadas por su correspondiente ábside, no goza de la excelsitud de San Vital, aunque los maravillosos mosaicos que decoran su ábside no desmerecen a sus homónimos del templo coetáneo.Sobre un fondo verdoso aparece una bucólica escena presidida por la figura central de Jesucristo apacentando un rebaño de ovejas en un exuberante bosque.En uno de los muros laterales, los omnipresentes Justiniano y Teodora aparecen engalanados y rodeados de su regia corte.Parece un hecho confirmado que ni el uno ni la otra pusieron jamás sus pies sobre suelo ravenés.

Creo que son dos buenas razones para darse un garbeo por Rávena.Aunque también creo que hay muchas más para no olvidarse de ella.No es necesario desplazarse hasta Estambul para admirar in situ las maravillas que nos ha legado el arte bizantino.Lo cual no es óbice para visitarla.!!!Huy, qué lío¡¡¡.

Saludos.

MARFIL

Podemos mostrar nuestra más rendida admiración hacia algunas piezas de museo expuestas detrás de gruesas vitrinas que, merced a la sublime maestría de algún olvidado orfebre, fueron moldeadas por manos artesanas a partir de un informe trozo de material blanquecino, esmaltado, de consistencia durísima conocido como marfil.Una materia prima que sólo puede obtenerse mediante la sustracción de ciertas partes de la anatomía de algunos animales como son los colmillos de elefante o morsa, una penosa labor a la que los pobres brutos nunca se prestaron de buen grado, por lo que, como en tantos otros casos, un elevadísimo número de especímenes han pagado con su vida el precio inmarcesible de la codicia y la ambición humana.

El continente africano ha sido el marco geográfico en el que prosperó desde hace milenios un siniestro trasiego comercial que incluía entre sus mercancías productos como esclavos, marfil, sal y diamantes, todos ellos obtenidos mediante reprobables métodos.Una vez aquellas largas caravanas capitaneadas por tratantes de esclavos faltos de escrúpulos arribaban a la costa magrebí, su preciada mercancía era trocada y despues distribuida por la Europa medieval.Una vez en poder de los obradores, el marfil era cincelado, esculpido, moldeado hasta conseguir magníficas piezas de la más sutil perfección que hoy podemos admirar en forma de arquetas, relicarios, joyeros, estatuillas o simplemente pequeños objetos suntuarios de uso personal.

La fiebre del marfil se adueñó de las potencias coloniales durante el siglo XIX, de forma que no hubo rincón del continente negro que no fuera prospectado por el hombre blanco en busca del valioso material, ya fuera hallado en depósitos fósiles o recurriendo a la matanza indiscriminada de manadas enteras de elefantes.
Tal y como acertadamente expuso Joseph Conrad en su novela culminante, El corazón de las tinieblas, en lo más recóndito del alma africana sólo había cabida para el más sórdido horror.Parece que una preocupación ecológica global, sensibilizada ante la alarmante reducción del número de elefantes africanos, ha conseguido detener la sangría ejecutada en nombre de la posesión del marfil elefantino.Aunque, desgraciadamente, siguen existiendo otros bienes que han tomado el relevo del marfil en la escala de la codicia humana, algo que en nuestro tiempo equivale casi unívocamente al ansia occidental por dominar y poseer las fuentes de riqueza del continente negro.La antigua dicotomía pobres-ricos sigue plenamente vigente y goza de una salud inmejorable.Petróleo, divino tesoro.

Saludos.

XILOGRAFÍA

Como una manifestación más del ingenio humano aplicado a la creación plástica, la xilografía o grabado sobre madera, es una disciplina artística surgida coetáneamente a la era de las guerras médicas en la lejana China imperial.Partiendo de una plancha o tableta de madera, usualmente de cerezo, boj o peral, mediante un buril o cincel se va modelando el relieve que se desea reproducir, vaciando aquellas partes sobrantes lo que le confiere a la obra su perfil realístico.

Otro enfoque habitual de la xilografía era el destinado a la generación de planchas escritas a modo de moldes o vaciados aptos para su posterior impresión mediante imprenta.La confección de libros xilográficos se convirtió en una artesanal tarea no exenta de un arduo trabajo que finalmente quedó arrinconada ante la versatilidad de la imprenta.Y durante mucho tiempo, se emplearon xilografías como modelos de ilustraciones.

Hoy en día se considera al multidisciplinar artista alemán Alberto Durero (1471-1528) como el maestro de la xilografía por antonomasia.Fue tal su dedicación a este noble arte de modelar la madera que llegó a desarrollar un conjunto de reglas didácticas orientadas a conseguir una inalcanzable perfección plástica.Ahora sabemos que existen poderosos motivos para pensar en Durero más allá de su magnífico Autorretrato.Unos motivantes grabados que residen confortablemente en varias pinacotecas y museos germanos y austríacos.No sólo de Oktoberfest vive el hombre.

THULE

Para añadir un componente femenino a la nómina de heroicos protagonistas de aventuras por todo el orbe conocido, el dibujante Víctor Mora pergeñó la imagen de la princesa prometida, siempre expectante ante la vuelta de su intrépido capitán Trueno, en la figura de Sigrid, soberana de un remoto pueblo nórdico habitante de los confines septentrionales del mundo, allá donde se funden el hielo y la tierra firme, donde suceden extraños fenómenos como la noche ártica o las auroras boreales.

En las fuentes clásicas, cronistas y geógrafos de diferentes épocas, griegos, romanos, autores medievales, mencionan Thule en sus escritos como una tierra situada en el extremo septentrional del mundo, tal vez una isla ignota y, ya en el Medioevo, se identifica con la vikinga Escandinavia.La ubicación más probable de la legendaria Thule podría encontrarse en la accidentada linea costera noruega, aunque también tienen sus partidarios las opciones de las islas Feroe, las Shetland, Islandia e incluso la macroisla de Groenlandia.

Contrariamente a una buena parte de mitos y leyendas difundidos y transmitidos por las crónicas antiguas, de Thule queda constancia real de su existencia física.Una gélida región norteña poblada por hombres y mujeres de tez pálida, prístina, de cabellos dorados, adoradores de un elenco de dioses entre los que figuraban el supremo Odín y el implacable Thor, entregados por un tiempo al saqueo y la rapiña de las riquezas continentales, osados navegantes capaces de cruzar el incierto océano cinco siglos antes que el almirante Colón.

Puedo imaginar el desconcierto que sembraron entre los sorprendidos gallegos de la época oleadas de temibles vikingos cuando se presentaron en las rías altas en sus imponentes drakkars el año 844.En esa ocasión se libraron de la iniquidad vikinga, aunque las feraces tierras galaicas se convertirían en objeto de la codicia y sed de sangre de aquellos aterradores guerreros barbados, empuñando hachas de combate y tocados con su tradicional casco.Debían componer una estampa realmente terrorífica.

Saludos.

MANARA

Desde que aparecieron los primeros ejemplares allá por los albores del siglo XX, varias generaciones han encontrado en el comic un modo ameno de entretenimiento, que estimula la imaginación, aunque una exacerbada credulidad pueda conducir a luctuosos sucesos de todos conocidos.El comic o historieta se compone de una sucesión de ilustraciones gráficas con o sin texto que tratan de provocar una respuesta estética por parte del lector.

La temática del comic es y ha sido siempre muy variopinta, aunque siempre han obtenido un enorme éxito los relativos a héroes, monstruos y villanos de diversa calaña.Entre esa tupida maraña de valerosos superhéroes y perversos antihéroes, medran otros géneros de comic como son los eróticos, humorísticos o puramente artísticos.

El comic erótico es una creación relativamente reciente, aunque para los entendidos en este tipo de coleccionables, la figura del dibujante italiano Milo Manara emerge con luz propia dentro del panorama erótico del comic.Se afirma que nadie como él sabe obtener una plasmación gráfica tan fidedigna del cuerpo de una mujer.Sus ilustraciones rezuman una sensualidad que desborda los precisos trazos que delinean el cuerpo de sus inmortalizadas heroínas.Además, el desarrollo narrativo de sus episodios no desmerece a las suntuosas imágenes que desgranan la historieta.

Sus obras se perciben como una sólida amalgama artística, donde las palabras son el complemento ideal a las impresiones gráficas, incluso cuando carecen de texto que aderece y sazone el sabroso pote.En estos tiempos tan proclives a la idolatría y la glorificación, Milo Manara ya forma parte de ese exclusivo Olimpo de dibujantes de comic, por derecho propio.Dicho todo esto desde mi perspectiva eminentemente masculina.Tal vez, lectoras conspicuas de este vuestro blog amigo, vosotras manejais otras vertientes acerca del particular.Los lectores seguro que no disienten demasiado.Y si lo hacen, no lo van a decir.

Saludos.