FERNÁN GÓMEZ

En esta semana que hoy termina se ha producido el fallecimiento de uno de los más eminentes intelectuales hispanos, Don Fernando Fernán-Gómez.A sus excelentes capacidades interpretativas, suficientemente demostradas a lo largo de una exitosa y dilatada carrera cinematográfica y teatral que incluye más de 200 películas, unía una pulsión literaria que, como ha confesado en más de una ocasión, era su verdadera pasión.Ese hondo interés le llevó a cultivar otras facetas cinéfilas como sus trabajos como director o guionista.

A caballo entre ese mundo literario y cinematográfico en el que se desenvolvió a lo largo de su vida, Fernán-Gómez, descendiente de actores y actrices, entronca con una generación de pensadores hispanos amantes de esas fructíferas tertulias de café que tanta fama adquirieron en la posguerra donde, en un clima de respetable decoro y corrección, se hablaba sobre lo humano y lo divino.De su prodigiosa mente salieron libros como Las bicicletas son para el verano o filmes tan significativos como El Viaje a Ninguna Parte, clamorosa égloga de una época que asistió a la llegada del cine así como a la proscripción de facto de la cultura.

Hombre de fuertes y profundas convicciones, quizás mucha gente quiera recordarlo por sus extemporáneas brusquedades verbales, que por otro lado no son sino una muestra palpable de su indestructible integridad exenta de toda hipocresía.Otros muchos nos quedaremos con su majestuosa efigie de hombre de otro tiempo, intelectual comprometido con la realidad del presente y magistral artesano de todo tipo de roles cinematográficos, desde la interpretación hasta la dirección y el guión.Se ha ido su cuerpo, mas no su extensa obra.

Saludos.

BRIAN

No pudieron elegir un nombre más apropiado para suplantar la personalidad del Mesías cristiano en la divertida cinta que los Monty Python rodaron allá por 1979 con el grandilocuente título de La vida de Brian.No en vano el origen onomástico de tal nombre es de clara raigambre céltica y es, por tanto, relativamente frecuente entre los nativos de la dulce Erín, la brumosa Caledonia o el diáfano Gales.Y en cierto modo, el Brian de ficción es émulo del agitador judío al menos en lo que respecta a su oposición al elemento invasor de su respectiva tierra.

¿Qué se puede decir a estas alturas de los Monty Python que no se haya dicho por activa o por pasiva hace tiempo?.Encarnaban un modelo de humor genuinamente británico, distinguible por sus ácidas apelaciones a la inteligencia del espectador, por su fresca originalidad, por su exultante genialidad a la hora de componer diálogos rayanos en un surrealismo constructivista que hace aflorar la sonrisa desde muy dentro de las circunvoluciones cerebrales.Y se puede decir que con la vida de Brian alcanzaron la cima de su producción cinematográfica, que tampoco fue excesiva.

La acción transcurre en la Judea de los albores de la era cristiana, donde un indolente muchacho de padre desconocido, sin pretenderlo premeditadamente, se ve elevado a la condición de caudillo de una de las numerosas facciones antiimperialistas que pululaban entre los entresijos de la depauperada sociedad judaica romana.Tras enrevesados avatares y estrambóticas situaciones que el ínclito aspirante a Mesías debe superar en su indesmayable lucha contra el enemigo interior y exterior, todos conocemos el triste final de esta historia.Aunque, a diferencia de la narración evangélica, se puede extraer una conclusión optimista: Always look on the bright side of life.Y si eso mismo se puede silbar o cantar, mejor que mejor.Son esos espléndidos momentos los que nos hacen la vida menos monótona.Al menos en mi caso particular, muchos de esos buenos momentos están asociados a los Monty Python.

Saludos.

ESCENAS DE MATRIMONIO

Navegar entre las diversas opciones que ofrecen las cadenas de TV en esa franja horaria nocturna inmediatamente posterior a los partes informativos, cuando ya los meninos de la casa duermen el sueño de los justos, suele convertirse en una interminable ronda de zapeo ante la penosa calidad de los espacios con los que nos obsequian dichas cadenas.Despues de unos minutos de vertiginosa conmutación entre canales, una de las escasas opciones tolerables para un servidor es una entrega humorística que versa sobre la problemática cotidiana de una pareja heterosexual vista desde la perspectiva de 3 etapas vitales.

Escenas de matrimonio es un divertido folletín que desgrana las vivencias de la pareja en sus prolegómenos, su madurez y su decadencia.Cada uno de los matrimonios se enfrenta a unas situaciones típicas por las que casi todos podemos haber pasado y en esa coincidencia radica su familiaridad y de ahí puede nacer la identificación con las parejas de actores que tan magistralmente recrean todo tipo de escenas, reales como la vida misma.El que más y la que menos puede sentirse dentro de la piel de la insatisfecha esposa de un empleado común que no sabe freirse un huevo pero tampoco tiene la deferencia de regalar a su mujer unas merecidas vacaciones a la sopa boba.O percibir un atisbo de similitud con el idealista aspirante a escritor que, ante un enfado imperdonable de la parienta, decide salir a quemar la noche en compañía de su mejor amigo de la mejor manera que conoce, vaciando vasos de líquido inflamable.Noche tras noche se reproducen todo tipo de situaciones que rayan lo ridículo, lo estrambótico, lo escatológico, en definitiva la vida misma sin eludir ninguna de sus negatividades.

Como preludio antes de conciliar el sueño, una buena terapia suele consistir en una buena dosis de sonrisas.Porque dicen que el que se acuesta con una sonrisa, con una sonrisa se levanta.Y al menos durante el tiempo que dura la emisión de este programa, las sonrisas, los guiños, las carcajadas son moneda de cambio.Y por cierto, pobre Avelino.

Saludos.

BLUE VELVET

Si nos ponemos a enumerar baladas que sean dignas de recordar, estoy seguro de que la mayoría mencionaría uno de los grandes éxitos de Bobby Vinton, su Blue Velvet del año 1964.La aterciopelada, nunca mejor dicho, voz del intérprete es como una suave caricia en el oído que estremece desde los pies hasta el último pelo de la cabeza.Escuchando la canción uno no puede evitar dejarse subyugar por el tono encantador y cautivador de la melodía.

Tal tema es una parte esencial dentro del film que, con el mismo nombre, el polifacético y nunca siempre bien comprendido David Lynch rodó en 1986, tan metódico como en todas sus películas en la elección del reparto, nunca falla su actor fetiche, un jovencísimo Kyle McLachlan, así como en la banda sonora, a cargo de su inseparable Angelo Badalamenti.Y como con el resto de sus filmaciones, tampoco está dejó a nadie indiferente.

Bajo el prisma de una peculiar concepción de un nuevo cine negro, Lynch construye una trama que entrelaza corrupción, perversión y pasión amorosa a partes iguales, sin abandonar su enfermiza pasión por las situaciones aparentemente inconexas que pululan por cada uno de esos primeros planos a los que tan aficionado es el director norteamericano.Una sensual Isabella Rossellini consigue una convincente interpretación de un personaje atrapado entre la sumisión y el masoquismo, a la par que Dennis Hopper borda, algo bastante común en este genial actor, su papel de retorcido y libidinoso mafioso de barrio.Tomando prestada del filme una de esas crípticas frases que se repiten hasta la saciedad, este mundo es extraño.David Lynch, un mundo.

Saludos.

MI VIDA SIN MI

De manera inherente, al milagro de la vida le acompaña el estigma de la muerte, la vida y la muerte son dos acontecimientos que ocurren de forma natural y pese al dolor lógico ante el deceso de una persona, no cabe sino resignarse ante un hecho ante el que todos, absolutamente todos los seres humanos, debemos enfrentar alguna vez, cuanto más lejana mejor.Es natural, asimismo, que de vez en cuando elucubremos acerca de esa cesación vital a la que, sin provocar miedo, al menos es aconsejable mantener un cierto respeto.

Una de las más prometedoras directoras de cine del panorama nacional, Isabel Coixet, elaboró un reflexivo film acerca del tema que menciono arriba.Allá por el año 2002 se presentó Mi vida sin mí, protagonizada por un elenco multinacional de actores y actrices que dan vida a un conjunto de personajes cuyo eje principal es la protagonista de la historia, una joven que, en la flor de la vida, recibe un mazazo que le hará pensar seriamente acerca del valor de su propia vida.

¿Cómo sería el resto de tu vida si realmente pudieras cumplir con tus sueños inmediatos?.Bajo esta premisa se desarrolla el argumento de la cinta, un elaborado monólogo interior que ahonda sobre cuan inane llega a ser nuestro paso por este mundo y cuan valiosa es la existencia que hemos sido afortunados de recibir de nuestros padres.Y aunque pueda parecer interesante, siempre es preferible pensar en mi vida conmigo que sin mí.Claro está que la vida sigue, sin tí, sin mí, alguien queda siempre.

Saludos.

UN FRANCO, 14 PESETAS

Cuatro palabras que sirven para definir a la perfección la dimensión real de un fenómeno que golpeó sañudamente la sociedad española a la vez que generó una justificada esperanza en un progreso que se antojaba irrealizable durante las décadas que van desde los años 50 hasta bien entrados los años 70.Una durísima posguerra de hambre y miseria generalizadas aderezada con elevadas cotas de desempleo rural y una insuficiente infraestructura industrial que pudiese absorber esas bolsas de mano de obra procedentes del éxodo rural hacia las ciudades crearon las condiciones necesarias para que germinara la semilla de la emigración.

Un fenómeno sangrante que despobló el mundo rural pero que supuso una oportunidad verdadera de encontrar un medio de subsistencia y progreso para miles de familias lastradas por una deficiente preparación académica y acuciadas por una miseria secular de siglos.De forma similar a la descrita por el Nuevo Testamento en el episodio de la multiplicación de los panes y los peces, un simple paso aduanero significaba para aquellos osados pioneros el ingreso en la ilusión del progreso que ofrecía esa delirante equivalencia monetaria.

Para su debut detrás de la cámara, Carlos Iglesias ahonda en su propia experiencia autobiográfica para confeccionar un film que rezuma ternura, esperanza, mesura, coherencia por su delicado tratamiento de un tema especialmente sensible para cualquier español.Magnífica estampa del contraste abismal entre la autocomplaciente sociedad hispana del momento y la concepción socio-laboral de allende los Pirineos.Todo ello tratado con una exquisita equidistancia, neutralidad y objectividad encomiables.Y un acostumbrado final made in Spain que no se aparta en nada de la realidad.

Me sorprende gratamente este primer trabajo de un Carlos Iglesias que se encasilló en demasía en personajes de dudosa categoría televisiva como el renuente haragán Benito Lopera en la exitosa serie de Antena 3 TV Manos a la Obra.Como casi siempre, la apariencia engaña.Y me alegro de que así sea.

Saludos.

CAMEO

Dentro del glamouroso mundo del olimpo cinematográfico, la cotización de las estrellas de la gran pantalla se halla en gran medida relacionada con la aparición de su nombre en los títulos de crédito y será más elevada cuanto más pronto aparezca su nombre desde que el celuloide comienza a enumerar los componentes del reparto de la película.De ahí que sea loable la prestancia de conocidos actores y directores de cine a la hora de figurar, a través de fugaces papeles, en alguna pequeña escena, sin constar en la nómina de títulos ni recibir retribución monetaria por su breve actuación.

Han protagonizado cameos históricos desde el genial Alfred Hitchcock, que no dudaba en pasear su oronda anatomía por cada uno de sus films, hasta Stanley Kubrick que interpretaba a un anónimo lector de prensa en su polémica cinta La Naranja Mecánica.Ese vodevil del mundo de la moda como es El diablo viste de Prada ha reunido un conjunto de cameos de personajes de la pasarela internacional como Giselle Bundchen o Valentino.Dentro del panorama cinematográfico hispano recuerdo los frecuentes cameos del director Fernando Colomo y de un incipiente Almodóvar, cada uno en sus propias cintas.Más recientemente, la saga de Torrente ha permitido a Santiago Segura brindar breves momentos de gloria a toda esa cohorte de amiguetes que se ofrecen gustosos para rellenar escenas que más bien parecen sketches.

Lo que me sorprende, aunque tampoco demasiado, es ese impulso que mueve a un director de cine a extralimitarse en sus funciones para invadir el terreno reservado a los intérpretes.Tal vez sea un ansia de inmortalidad el resorte que salta en sus mentes para llegar a tomar esa decisión.Un expreso deseo de perdurar, perpetuada su imagen dentro de su obra, tal y como gustaban de hacer no pocos pintores europeos renacentistas, incluso contemporáneos como Velázquez, Rembrandt, Durero o Van Gogh.Ciertamente, su obra les sobrevivirá y habrán conseguido propagar hacia la eternidad su propia imagen como firma indeleble de la misma.Todo ello gracias a la magia de la cámara que posibilita la biubicuidad del pintor de imágenes.

Saludos.

DANCING QUEEN

Imbuidos en el panorama musical, la estética particular de los lejanos años setenta, el grupo nórdico ABBA cosechó un éxito masivo que aunaba un estilo melódico muy al uso junto con letras que irradiaban compromiso ante los más desfavorecidos y denuncia de las injusticias potenciadas por las tremendas desigualdades entre ricos y pobres.La rubia, la morena, el rubio, el moreno, cuatro integrantes de una formación que cuidaba al máximo su escenografía y su atuendo personal a la hora de sus actuaciones.Cierto es que despertaba tantas simpatías como antipatías entre incondicionales y detractores, como bien es cierto también que varios de sus más conocidos hits alcanzaron multitudinarios éxitos de ventas.

Numerosos son los temas que componen la dilatada discografía de Abba, aunque hoy queremos rememorar uno de esos temas que se escriben con letras doradas y que pertenecen por derecho propio a la galería de canciones inolvidables que se precien de serlo.Dancing Queen se editó en 1976 dentro del quinto album de la banda, Arrival y ni que decir tiene que se encaramó con celeridad a lo más alto de listas de venta y hitlists de todo el mundo.

No pudo ser más atinada la elección del tema como parte esencial de la banda sonora de la película La Boda de Muriel, donde una desdichada muchacha, la felizmente recuperada para el cine y para sí misma Toni Collette, circundada por todo un cúmulo de adversidades y reveses del destino, lucha por conseguir un escurridizo momento de felicidad que la vida le niega testarudamente.Una mirada melancólica, no exenta de adecuadas dosis de realismo que hace brotar oleadas incontenibles de ternura y sensibilidad a flor de piel.Y es en este terreno tan emotivo, tan sensiblero en el que Dancing Queen atenaza nuestra garganta a medio camino entre la ilusión y la fatalidad, erizando vellos cual afiladas agujas, evocando sensaciones agridulces que son tan reales como la vida misma.Dancing Queen es una metáfora musicalizada de esa nuestra existencia que alterna evasivas sombras con brillantes luces.Despues de todo, es lícito para cualquiera poder soñar con vivir una intensa aunque efímera apoteosis.Muriel, a pesar de los pesares, consiguió culminar felizmente su sueño más deseado.A veces, los seres humanos nos conformamos con tan poco...

Saludos.

TRUE LOVE

Somos seres entregados a nuestras pasiones, esa incandescente llama que enciende nuestros corazones y que para muchos se convierte en leitmotiv que marca su trayectoria vital.El AMOR, así con mayúsculas, es el motor que mueve sentimientos, bálsamo que redime y cura todos los males, refuerzo positivo que contrarresta sinsabores y reveses del quehacer cotidiano.El mundo anglosajón, tan dado a suscribir y difundir slogans por todo el orbe conocido, ha acuñado la expresión True Love para referirse al amor verdadero, un concepto un tanto difuso y rebuscado dada la aparente innecesariedad de calificar al amor con uno de sus epítetos.Amor y verdadero se antojan sinónimos e inextricablemente inseparables.

Refrescando la memoria, algo cada vez más habitual en mi caso, he recordado esta expresión al hilo de la maravillosa novela de William Goldman y la no menos esplendorosa posterior adaptación cinematográfica de la misma que llevan por venturoso título The Princess Bride.Al rescate del amor verdadero acude el indesmayable amador, sorteando y superando todo tipo de pruebas, venciendo sucesivamente a la habilidad, la fuerza, la inteligencia para recuperar un pedazo de su corazón en manos de viles personajes que no dudarán en recurrir a arteras maniobras con tal de evitar el reencuentro de los verdaderos amadores.

Asediada por el vil Humperdinck, la hermosa Buttercup se entrega voluntariamente pese a que, en su corazón, sigue concibiendo esperanzas de que su amado la rescatará del pérfido tirano, porque el amor verdadero siempre termina sobreponiéndose a las añagazas del destino.Leslie pagará la osadía de enfrentarse a áquel que pretende los favores de su dama con su propia vida, porque el amor verdadero no entiende de límites ni de precios, no pide pero da hasta la última gota de sangre de su corazón.Afortunadamente, los cuentos casi siempre suelen acabar con un epílogo feliz y Goldman se permite la licencia de conceder una postrera oportunidad al amor verdadero que será aprovechada por la variopinta troupe comandada por el intrépido Leslie.

Solemos decir que los cuentos son apropiados para los niños.Hay cuentos que ningún adulto debería dejar de leer.Aunque fueran para niños.O tal vez, no tan niños.

Saludos.

MONSTRUOS

A la edad de 3 años, un niño responde a la multitud de estímulos que bombardean su virginal mente actuando a modo de esponja que se empapa y asimila de manera asombrosa toda esa información novedosa que supone prácticamente todo el universo material y emocional.De manera innata, la inquietud exploradora e investigadora se desarrolla prontamente adobada por una exultante espontaneidad que asombra a sus educadores y progenitores y que puede resultar molesta por las implicaciones que se derivan de ella, pero que permite ampliar el horizonte cognoscitivo del niño.

Puede resultar traumático para un niño de tan corta edad empezar a descubrir, vía audiovisual mediante, una serie de paradigmas y fenómenos que rayan en la irrealidad y la fantasía como lo puedan ser monstruos, fantasmas u otros seres de ultratumba.Una explicación racional, firme y de tinte adulto no basta para generar tranquilidad en el niño, que no puede comprender como algo que ha visto no existe en el plano material, quedando restringido a la ficción, los sueños, el celuloide.No sólo eso, sino que adicionalmente esos seres, inexistentes según su papá, aparecen una y otra vez poblando los incipientes sueños del infante, creando una atmósfera de pavor e incomprensión.

Tal vez para su pequeña psique en ciernes este hecho puede constituir un shock, aunque tarde o temprano su intelecto deba pasar, consciente o inconscientemente, la prueba del algodón de la separación entre la realidad y la fantasía.Algo esencial para poder captar juiciosamente la percepción de los límites que presiden nuestra sociedad y nuestro pensamiento.Así que ni Casper ni Monsters S.A. son ingenuamente inocuas ni tampoco alocadamente lesivas para la mente infantil.Si os parece, dejamos The Ring para edades más talluditas.

Saludos.

GUATEQUE

Todos recordamos las extravagantes e hilarantes peripecias del ingenuo Sr. Bakshi inmerso dentro del ambiente festivo y lúdico que preside una animada reunión a la que ha sido invitado por error.A las órdenes del siempre efectivo Blake Edwards, Peter Sellers y compañía, para mayor gloria de su protagonista principal, consiguen recrear una vívida atmósfera de una fiesta particular habitual en los mentideros cinematográficos, con una asombrosa mezcla de glamour, esnobismo, desenfado, liberalidad y apariencias.

No es de extrañar que la traducción inmediata del título original The Party al idioma patrio, teniendo en cuenta que se rodó allá por 1968, ese mágico año de resonancias imperecederas, se resumiese en un escueto El Guateque como término apropiado para asociar, salvando las distancias, un evento de tales dimensiones a algo tan familiar y tan en boga en aquel momento como esas boîtes o guateques que se organizaban en tiempo récord en cualquier domicilio que se prestase voluntario, en el que no podían faltar las chicas ye-yé ni los discos de Edith Piaff o The Doors.

Volviendo a la cinta, se trata de una comedia de altos vuelos en la que Peter Sellers da rienda suelta a toda su expresividad mímica mediante un conjunto de gags realmente descacharrantes que describen grotescas, barrocas, rebuscadas situaciones de las que no siempre puede salir bien librado su ingenuo y gesticulante protagonista.Particularmente no puedo olvidar la escena de la interpretación musical con un Bakshi malabarísticamente agarrotado por una incontinencia urinaria descomunal.Si alguna vez es preciso echar mano de terapias que nos hagan olvidar momentos de tristeza, incertidumbre, pena, Sellers tiene en su mano la llave para transportarnos, aunque sólo sea una fugaz ilusión, a la carcajada perpetua.Algo tan sano que debería instituirse como susceptible de aprendizaje.Reir es sano.Reirse lo es mucho más.Ríanse, aunque sea de ustedes mismos.

Saludos.

GANCHEROS

Cuentan los ancianos que se congregan espontáneamente bajo el tibio sol invernal, ocupando los incómodos bancos de la plazuela del pueblo, viejas historias acerca de unos aguerridos paisanos que, buscando su sustento, no dudaban en desafiar la fuerte corriente de los cursos fluviales conduciendo ingentes cantidades de troncos, la maderada, hacia su punto de reunión.La desaparecida figura del ganchero, aguzada vista, gancho en ristre, sorteando rápidos y escorrentías, era una estampa familiar en ciertas zonas de las provincias de Cuenca y Guadalajara hasta mediados del siglo XX.

La maderada se convertía en un acontecimiento anual digno de recordar allá por donde pasaba, de forma que los gancheros eran considerados unos personajes de cierto empaque por su intrépida valentía a la hora de moverse entre la resbaladiza masa forestal.Su lucha por mantener un inestable equilibrio era una constante que en ocasiones terminaba en indeseable inmersión en las gélidas aguas de Tajo, Guadiela, Júcar, Escabas, Cabriel o Gallo.La motorización creciente, una cada vez mejor red de infraestructuras viarias y caminos y la renuencia de la juventud para continuar con este duro oficio terminaron por enterrar esta azarosa ocupación.

José Luis Sampedro retrata fielmente los avatares de una época ya olvidada en su novela El Río que nos lleva, consiguiendo plasmar de manera magistral todo lo que suponía una aventura de tal calibre como lo pudiera ser conducir a buen puerto un nutrido cargamento de madera desde las escarpadas vertientes del Alto Tajo hasta su extracción final en la ribereña Aranjuez.Sin duda, no hay símil más adecuado para definir la epopeya de unos cuantos osados lugareños llevados por el río.El río de la vida.El río que nos lleva.

Saludos.

SAW, TERROR REFINADO

Para un cinéfilo empedernido que, cual gourmet aventajado, se complace en la degustación de sabrosos menús a base de terroríficas tramas y escalofriantes aventuras, la aparición de flamantes productos del calibre de SAW supone un intenso goce digno de ser paladeado con fruición.Acostumbrados a un extenso abanico de subproductos de ínfima categoría fílmica, desprovistos de una trama digerible, cuando no mínimamente inteligible, este tipo de filmes ayudan al sufrido amateur a reconciliarse con el género de terror.

El visionado de esta cinta provoca diversas sensaciones en el espectador, aunque sobre todas ellas prevalece un pensamiento revelador, una mácabramente original maniobra factual que supone una completa aberración moral como lo pueda constituir el hecho de que una mente privilegiadamente perversa sea capaz de despertar, fomentar y exacerbar en otras, ingenuamente objeto de experimentación, ese instinto asesino que todos poseemos para inducir a la comisión del más abominable crimen.La vida en juego, un abyecto divertimento elucubrado por una psique retorcida, atormentada dentro de un organismo en fase terminal que disfruta infligiendo terribles sufrimientos a sus desconcertados conejillos de Indias.

La semilla del mal regada por la sangre de inocentes, el instinto de superviviencia puesto a prueba, una poderosa inteligencia criminal que puede alardear de no mancharse de sangre.Puesto a ponderar, esto es un sobreproducto.Y un shock emocional también.Advertencia, no apta para mentes sensibles y personas con manifiesta aversión a la casquería fina.

Saludos.

LA MISIÓN

Último tercio del siglo XVIII, las potencias ibéricas litigan por la posesión de una exigüa franja de tierra perdida en los confines de la selva guaraní, poblada por tribus de aborígenes recolectores y cazadores y encomendada para su cristianización a un reducido grupo de misioneros jesuitas que se vuelcan en conseguir el desarrollo material y espiritual de los indígenas guaraníes.El arbitrio de la Santa Sede se materializa con la presencia del legado Papal, con plenos poderes para dictaminar sentencia sobre la soberanía de las misiones.Los intereses políticos prevalecerán sobre las buenas intenciones de los pastores y los enormes progresos de la comunidad tribal.Y, como en las películas, acaban venciendo los buenos.

Basada en hechos reales, La Misión basa su argumento en el enunciado previo.Dirigida por el maestro Roland Joffé en 1986, con un reparto de lujo encabezado por Robert de Niro, Jeremy Irons, Aidan Quinn y Liam Neeson, una ambientación sobresaliente, una recreación cronológica superlativa y una banda sonora del genial Ennio Morricone que cabe calificar como excelsa, pasa por ser ya uno de los más prestigiosos clásicos del cine mundial.

Su lúgubre final, ese autosacrificio ritual de indios y misioneros unidos en el paroxismo asesino de las tropas portuguesas, viene a ahondar sobre la futilidad de la búsqueda del bien ante la fatalidad de la ambición del poder y el dominio sobre la tierra.Belleza, armonía, paz, serenidad, destruidas por el ansia posesiva de unos gobernantes ajenos a las vicisitudes de sus súbditos.Nunca le agradeceré lo suficiente al maestro Morricone haber rescatado de su secular sepultura de siglos el envolvente soniquete del obóe de Gabriel.De un lugar tan paradisíaco no podía emanar otra melodía que no sonase celestial.Uno de tantos cielos en la Tierra sepultados por la sedición y la ignominia del género humano.Además, con la bendición del representante de Dios sobre este valle de lágrimas.Seguro que era un impostor.

Saludos.

GÁRGOLA

La 2 se descolgó la noche pasada con un subproducto que cabría calificar como película de terror que enraiza en la iconografía cristiana acerca del maligno y su progenie protagonizado por un malogrado Michael Paré, áquel adolescente explosivo de Calles de Fuego que hacía pareja con una exultante jovencita de nombre Diane Lane, al que abandonó el glamour hace tiempo, en parte debido a su excesiva apetencia por los vapores alcohólicos.

Unas misteriosas desapariciones de personas que devienen en salvajes crímenes y horripilantes mutilaciones requieren de la presencia del ebúrneo Paré en la remota Rumanía.Un siniestro sacerdote acaudilla una legión de horrendos seres infernales que amenazan la continuidad del género humano.Unos seres engendrados por la inagotable imaginación humana como símbolos veraces de la existencia del demonio.Aunque el único vestigio de su corporeidad sean unas efigies esculpidas que denotan fiereza e hieratismo a la vez.

Parece que las gárgolas surgieron durante la oscura Edad Media europea, incluso llegaron a formar parte de esas gigantescas ofrendas al supremo hacedor como son las catedrales.A su función estética, adornando los aleros de las cubiertas y los salientes de campanarios y arbotantes, se unía un prático uso a modo de conductos canalizadores del agua de lluvia.

Nunca pensé que semejantes entes pudieran constituir el hilo argumental de ningún film, aunque despues de lo visto anoche y asegurada nuestra supervivencia gracias al apolíneo Paré, creo que en más de una ocasión estos grotescos monstruos van a acudir a una cita onírica con mis más desagradables sueños.O quizás no tanto.Por si acaso, la pasada noche antes de proceder al merecido descanso horizontal, escruté el espacio a mis espaldas.Nada de gárgolas, sólo una ardiente oscuridad.

Saludos.

EXORCISMO

Habría que remontarse muy lejos en el pasado humano para encontrar el origen de esa concepción esencialmente dualista que opone a los principios antagónicos del bien y del mal que mantienen una batalla intemporal por la consecución del dominio sobre la fuerza enemiga y la prevalencia sobre la Tierra.Aunque, en lo tocante a nuestras raices culturales, el cristianismo ha sido el principal impulsor de un maniqueismo interesado y obsoleto que casi todos hemos mamado en nuestra más tierna infancia.

Claro está que la Iglesia Católica está del lado del bien, el partido de Dios, el creador, el omnipotente, omnipresente y omnisciente que vela por la salud y la prosperidad de su grey.El otro lado de la balanza está simbolizado por el maligno, el ángel de las tinieblas, Satán, el diablo y su cohorte de súcubos, demonios y espíritus que deambulan arteramente por nuestro mundo al acecho de cualquier alma cándida que pueda ofrecer su cuerpo como puerta de acceso a la humanidad para sembrar la semilla de la discordia, el caos, la guerra y acabar con la obra suprema del Sumo Hacedor imponiendo el reino de la destrucción y la muerte.

La institución eclesiástica se refiere a la posesión diabólica como un estado psíquico desequilibrado causado por infiltración de un ente maligno dentro del cuerpo de un huésped que orienta indefectiblemente la conducta de esa persona hacia actos considerados sacrílegos y altamente reprobables bajo la óptica cristiana.Más de uno recordará la espeluzante estampa de una jovencísima Linda Blair poseída por un espíritu perverso en esa magna obra de arte que es la película El Exorcista de William Friedkin.

Dada la irreductibilidad innata de los próceres vaticanos por la remisión de los pecados y la reconquista de las almas perdidas, la vuelta al rebaño lo llaman, y para librar a la humanidad de semejantes engendros maléficos, la Iglesia instituyó un complejo ritual basado en procesos reiterativos a caballo entre la salmodia y la teatralidad manifiesta a fin de conseguir expulsar al macabro inquilino del cuerpo de su inocente víctima.Hablamos del exorcismo, que aunque pueda parecernos algo anacrónico y en cierto modo cómico, sigue plenamente vigente en nuestros días, como puede atestiguar el párroco Fortea, conocido exorcista hispano, como no podía ser de otra manera.

Parece que para que la Iglesia permita su realización se deben cumplir varias condiciones como son que el posible poseído sea capaz de expresarse en dos lenguas muertas, que manifieste una repentina aversión a todo símbolo sagrado o que sufra quemaduras en la piel por contacto de la tan manoseada agua bendita.Hasta que punto puede considerarse tal actitud como resultado de una posesión o por el contrario como consecuencia de un estado psíquico desquiciado y obsesivo, sólo puede decirlo la ciencia.Una ciencia que, en este caso también, no se recata en afirmar su escepticismo natural.

Creo que sería apropiado aplicar aquel famoso refrán galaico sobre las hechiceras de pelo largo y nariz ganchuda y aseverar que no creo en posesos, pero haberlos, haylos.Tan cierto como que nunca pude atisbar ningún poseso.Poseídos/as, multitud.Pero esa es otra historia.Dejemos que la Inquisición siga obrando.

Saludos.

PRECUELA

No es necesaria esa súbita premiedad del lector por consultar el sanctasantorum de la lengua castellana en busca del significado de esta extraña palabra por la sencilla razón de que no existe una entrada asociada a la misma.Aunque seguramente la hemos escuchado más de una vez en el transcurso de una conversación, se trata de un vocablo forjado a imitación de la raíz secuela, extrayendo la primera sílaba, lugar ocupado por el prefijo que denota anticipación o precesión temporal.

Y se ha puesto de moda merced a esa pretendida ansia de la industria del sector filmográfico por ofrecer nuevas versiones de algunas sagas cinematográficas de reconocido éxito.Una vez agotadas las coordenadas temporales y explotado al máximo todas las aristas que pueden delinear un conjunto de personajes, se impone una reinvención de la trama basada en la retrospección cronológica, vulgarmente conocida como precuela.

Las precuelas brindan todo un universo de opciones para rediseñar la estrategia comercial ligada a toda una familia de filmes relacionados, superando esos finales cargados de dramatismo y fatalidad, en algunos casos.Aunque, como genuinos subproductos de la febril imaginería humana, afortunadamente, quedan restringidas al lenguaje del celuloide.No quiero pensar en las precuelas que podrían encadenarse como condiciones previas a la realización de un acto.Y mucho menos, en las precuelas de las precuelas.Nunca me gustó la recursividad por el riesgo inherente a entrar en un bucle indefinido del que nunca se pueda salir.Dejemos que el tiempo siga su curso.Secuelas incluidas.

Saludos.

INDIANA JONES

Aunque no suelo prestar demasiada atención a esas sagas cinematográficas con las que la industria del sector inunda las salas de proyección, existe una gloriosa excepción con nombre de estado norteamericano de rancia tradición sudista y apellido anglosajón bastante común.Debo confesar mi adicción irreductible hacia el fenómeno Indiana Jones y sus hazañas en el celuloide, esa divina trilogía que corre el grave riesgo de pasar a la posteridad como la única y fabulosa herencia del personaje para las generaciones venideras, socavando la sempiterna, volátil y fugaz esperanza que toda una cohorte de seguidores ha depositado en las nuevas aventuras de su idolatrado adalid.

Indiana Jones aúna a un tiempo una serie de cualidades que reunidas conforman un arquetipo de ser humano al que casi todos desearíamos parecernos.Su atractivo físico, su distinguido porte, su corrección académica y su exquisita erudición se complementa con un conjunto de actitudes que no se adaptan a la imagen de arqueólogo de biblioteca inherente al emérito profesor universitario indefenso ante el acoso de sus entusiastas alumnas, remiso a asumir su cota de merecida gloria fruto de sus conspicuas exploraciones e insólitos hallazgos.Porque cuando las circunstancias así lo requieren, aparece la otra cara de Indy, el del impenitente látigo, chupa de cuero ajada y sombrero gastado, capaz de soslayar las más peligrosas situaciones que uno pueda imaginar y salir indemne del desafío que plantean.

No deja de ejemplificar esa primitiva dualidad entre las ideas y la praxis, el pensamiento y la acción, en este caso reunidas en la misma persona.En el fondo, todos compartimos con Indy esa contradicción ambivalente que permite recoger los frutos de ambas facetas.Aunque sólo sea a pequeños tragos.Pese a todo, siempre es reconfortante la ensoñación en la que nos sumerge Indy cuando se apresta a saltar a la otra orilla de un abismo de lava o se lanza involuntariamente a una velocidad endiablada por un vertiginoso acantilado rocoso.

Tengo entendido que se anda barajando entre Lucas, Spielberg y el propio Harrison Ford la posibilidad de una deseada entrega de nuevas vicisitudes del sagaz arqueólogo.Despues de andar buscando el Arca Perdida, las piedras Sankara y el Santo Grial, siento una curiosidad enfermiza por conocer cual será el misterio arqueológico que Indy intentará desvelar.Candidatos a ser la diana de tal búsqueda los hay a decenas.Me decanto, sin embargo, por volver a sentir la ilusión de gozar con los avatares del destripaterrones más universal de la cinematografía.

Saludos.

LA MUJER DE ROJO

Al igual que persiste y goza de plena vigencia el mito romántico del príncipe azul dentro del imaginario colectivo del sexo femenino, también existen estereotipos equivalentes para el masculino.No pocos varones siguen elevando al ladino Eros sus devotas plegarias para encontrar esa mujer de rojo que simboliza lo mejor de ambos mundos, sensualidad e inteligencia, belleza exterior y riqueza interior.Que duda cabe que tanto los príncipes azules como las mujeres de rojo escasean en nuestra sociedad, son difícilmente localizables y observables.Y cuando se consigue, despues de ardua búsqueda, situar uno de ellos en el mapa, muy probablemente caigamos en la cuenta de que alguien llegó antes que nosotros.

El peculiar Gene Wilder dirigió y protagonizó La mujer de Rojo en 1984, glosando las divertidas peripecias y manidas artimañas a las que recurre un abúlico y convencional hombre de familia inmerso en una monótona cotidianeidad para intentar seducir a una escultural y explosiva Kelly Le Brock que, inicialmente, no deja de ser un mero objeto de deseo lejos del alcance de un personaje tan anodino y falto de atractivo.

La evanescente protagonista aparece enfundada en un vaporoso vestido de seda roja que provoca una exacerbada secreción de feromonas por parte del hilarante Wilder cuya febril imaginación concibe ardorosas imágenes de pasión y desenfreno junto a la idolatrada portadora de la prenda encarnada, un color asociado a la pasión, a la alegría de vivir, al impulso vital representado por ese líquido esencial para la vida llamado sangre.Cegado por su alarmante índice de testosterona, un desbocado Wilder concentrará sus impulsos vitales en la seducción de la bella dama.Una cómica travesía que le conducirá a un sorprendente descubrimiento oculto por la radiante imagen exterior de la diva, su no menos fabulosa capacidad intelectiva.

Desgraciadamente, el rojo suele ser un color raramente habitual en la indumentaria femenina, su propio tinte cromático añade cierta carga de vistosidad y visceralidad que no es del agrado de muchas mujeres, tan reacias como los hombres a ser objeto de observación impertinente.Por lo cual, como tales, las mujeres de rojo son raros especímenes en peligro de extinción dignos de admiración.Creo firmemente que realmente son muchas más de las que parecen pese a que se mimetizan en el ambiente bajo diversos colores, mostrando su verdadera dimensión cuando la ocasión lo merece.Mujeres de rojo, príncipes azules, es bonito seguir pensando que existen, porque la verdad es que, al igual que las meigas, haberlas, haylas.

Quiero dedicar a todas esas anónimas mujeres de rojo que pueblan nuestros hogares un tema de la banda sonora del film interpretado por Stevie Wonder que lleva por título I just called to say I love you.Va por vosotras, las de rojo.

Saludos.

LA VAQUILLA

El prolífico cineasta valenciano Luis García Berlanga dirigió en 1985 una obra típicamente coral de tono jocoso y desenfadado que relata las cómicas peripecias que acontecen a un variopinto abanico de personajes en un hipotético frente de batalla durante la guerra civil española.La Vaquilla se convierte en el eje sobre el que gira el desarrollo de una trama que se desgrana a través de la intrépida odisea, rayana de la frivolidad, en la que se ven envueltos todos los actores.

Los intérpretes se enfrentan a chocantes y absurdas situaciones, tan familiares a la idiosincrasia hispánica, que muestran su profunda vis cómica, la acción es trepidante y dinámica y la ambientación sobresaliente.Pese a que los críticos consideran que La Vaquilla dista mucho de la categoría que alcanzaron los primeros trabajos de García Berlanga, estimo que es una película total, de esas que no quieres que se acabe nunca.Además, no por esperado, el final es ejemplarizante, definitivo, tremendamente didáctico.Es paradójico como un recuerdo tan doloroso para España entera puede ser capaz de generar tantas carcajadas.

Pese al tratamiento que Berlanga otorga a su personal visión del conflicto civil, intentando trivializar y suavizar las afiladas aristas que ofrecen los contendientes de la misma, no debemos olvidar el triste epílogo del sufrido y noble animal.La metáfora de la vaquilla sigue resonando en la memoria de varias generaciones de españoles, todavía enraizados en pasadas rencillas y deseosos de reverdecer viejos laureles ya marchitos.

Mientras se asiste al edulcorado final del film, se puede escuchar una voz en off declamando ese dicho popular que dice así: Entre todos la mataron, ella sola se murió.Parece que, esta vez sin Berlanga de por medio, la vaquilla ha resucitado de entre los caídos para ofrecer una nueva tentativa a los contendientes.Espero que, en esta ocasión, no tengamos que lamentar otro ominoso final.La puerta está abierta.No la cerremos nosotros.Ahora, démonos la paz.

Saludos.